Eşref Yıldırım

Camouflage

(13.7.–20.7.2025)

Der türkische Künstler Eşref Yıldırım knüpft mit seiner Performance an die Idee von Joseph Beuys an, dass echter Dialog nicht nur zwischen Menschen, sondern auch zwischen Mensch und Tier möglich ist. Beuys sah eine organische Verbindung zwischen Menschheit und Natur – eine Beziehung, die in der Gegenwart zunehmend verlorengegangen ist. Tief beeindruckt zeigte sich Yıldırım von Beuys’ legendärer Aktion I Like America and America Likes Me (1974). Im Gegensatz zu Beuys sucht Yıldırım jedoch nicht den kontrollierten Raum der Galerie, sondern die Begegnung im natürlichen Lebensraum der Tiere. Camouflage, realisiert im Außenraum des Museums Schloss Moyland, versteht sich als Versuch, sich dem lokalen Ökosystem behutsam anzunähern. Yıldırım bedeckt seinen Körper mit Wasserpflanzen, die von den dort lebenden Tieren bevorzugt werden, und bewegt sich still durch die Landschaft – beobachtend, lauschend, gegenwärtig. Mit dieser Geste stellt Yıldırım die vorherrschende anthropozentrische Perspektive in Frage. In einer Welt, in der Tiere häufig untergeordnet, ausgebeutet oder getötet werden, kehrt Camouflage die Rollen um. Der Künstler lädt zu einer neuen Art des Miteinanders ein – achtsam, gleichwertig und auf Augenhöhe.

Sandra Johnston

Bone-Battery//Flat-High

(13.7.–20.7.2025)

Sandra Johnstons aktuelle Forschung im Joseph Beuys Archiv untersucht die vielfältigen Wege, auf denen Beuys mit dem Konzept von Energieflüssen arbeitete – sichtbar in seinen Aktionen, Objekten, Zeichnungen und seiner Sprache. Ein zentrales Thema ist dabei Beuys’ wiederholte Verwendung des Begriffs „Batterie“ für seine Werke, etwa bei Battery Flat-High (1963). Diese Bezeichnung verweist auf Vorstellungen von Ladung, Strom und Übertragung. Johnston interpretiert diese Ideen mit einem Fokus auf die verborgenen, katalytischen Qualitäten alltäglicher Objekte und Materialien. Besonders in Beuys’ Zeichnungen und Partituren wird der Energiefluss sichtbar: Bewegungslinien um Figuren deuten Prozesse der Emanation und Transformation an. Diese Motive erscheinen sowohl in seinen visionären, persönlichen Arbeiten als auch in den späteren Tafelbildern, wo sie sich zu einer Sprache des Denkens in Diagrammen und Handlungsschemata verdichten. In ihrer Performance Bone-Battery//Flat-High bringt Johnston diese Konzepte in eine physische Form: Ihre Aktionen machen einen inneren, somatischen Raum sichtbar – durch Gesten des Markierens, Wiederholens, Auslöschens und Anpassens lässt sie Energieprozesse im Raum erfahrbar werden.

Virginia Mastrogiannaki

TAVROS

(13.7.–20.7.2025)

Die Künstlerin Virginia Mastrogiannaki widmet sich in ihrer Performance den letzten Lebensjahren von Joseph Beuys und dessen zunehmender Politisierung. Im Fokus steht der Einfluss der universalistischen Ideen von Anacharsis Cloots auf Beuys’ künstlerisches und ideologisches Denken – insbesondere im Kontext seiner Kandidatur für das Europäische Parlament. Mastrogiannaki untersucht dabei zentrale Gründungstexte der Europäischen Union. Ihr besonderes Interesse gilt dem Spannungsfeld zwischen Sprache, Identität und politischer Symbolik. Durch das gezielte Entfernen wirtschaftlicher Begriffe aus den EU-Verträgen legt sie ideelle Grundlagen der Union frei und hinterfragt, welche Werte Europa heute definieren. Der Titel Τavros (Stier) bezieht sich auf die Verwandlung von Zeus, dem zweiten Helden des Mythos der Europa, deren Namen der europäische Kontinent und die Europäische Union tragen.

Isaac Chong Wai

Choreographing Gravity: Tanzprobe (2025), performt von Ryota Maeda

(13.7.–27.7.2025)

In Isaac Chong Wais neuer Auftragsarbeit Choreographing Gravity: Dance Rehearsal (2025) probt ein Tänzer in einem rotierenden Proberaum Bewegungen, die sich auf Kunstwerke beziehen, und bewegt sich dabei zwischen alltäglichen Lebenspraktiken und einer durch die räumliche Situation veränderten Schwerkraft. Die Schwerkraft, die für unser tägliches Leben von grundlegender Bedeutung ist, prägt die Art und Weise, wie wir uns bewegen, handeln und mit der Welt umgehen. Chong stellt diese unsichtbare Kraft in Frage, indem er sie in einer Choreografie neu interpretiert, die einer anderen Logik folgt. Diese Dauerperformance interpretiert die Methoden von Marina Abramović und die Bewegungsstudien von Joseph Beuys durch eine verkörperte Übersetzung neu. Während die Regeln der Schwerkraft scheinbar außer Kraft gesetzt sind und der Proberaum kippt, wird das Publikum zu einer desorientierenden Erfahrung eines unbekannten Tanzes eingeladen.

Isaac Chong Wai

Choreographing Gravity: Tanzprobe (2025), performt von Ryota Maeda

(13.7.–27.7.2025)

(s. Woche 1)

Michelle Samba

I, Hereby

(22.7.–27.7.2025)

Jeden Morgen produziert Michelle Samba Tinte aus ihrem eigenen Blut und verschiedenen Pigmenten. In aller Stille benutzt sie es als Tinte, um mit selbst entworfenen Stempeln auf weggeworfenes Museumspapier zu stempeln. An einem einfachen Tisch in einem fast leeren Raum wiederholt sie ein tägliches Protokoll der Klassifizierung und Spurensicherung. Das Papier stapelt sich. Die Geste wiederholt sich. Die Performance zieht sich über sechs Tage hin. Der Raum funktioniert wie ein Büro, ein Kontrollpunkt. Die Arbeit lehnt sich an Joseph Beuys‘ Büro für direkte Demokratie (documenta 5, 1972) an und greift dessen bürokratische Sprache auf. I, Hereby beobachtet, wie Systeme Wahrheit durch Form behaupten. Es reflektiert die Ästhetik von Erlaubnis und Kontrolle, nur um deren Grenzen aufzuzeigen. Was hier registriert wird, kann nicht archiviert werden.

Francesco Marzano

Pneuma – Wärmezeitmaschine

(22.7.–3.8.2025)

Pneuma – Wärmezeitmaschine ist eine immersive, partizipative Performance, die den Atem ins Zentrum rückt – als Urkraft des Lebens, kollektives Band und politisches Symbol. Der Performer bewohnt einen resonierenden Raum, in dem sein Atem akustisch verstärkt wird. Besucher:innen sind eingeladen, mit ihrer eigenen Atmung Teil dieses Klanggeflechts zu werden. So entsteht ein lebendiges Zusammenspiel von Geräuschen, Rhythmen, Resonanzen und Körpern – eine akustische Skulptur, ein atmendes Kollektiv. Pneuma bedeutet im Griechischen sowohl „Atem“ als auch „Seele“. Die Performance reflektiert Atem als Träger von Identität, kommunikatives Potential und Spiegelung des Makrokosmos. Der Atem ist ebenso unentbehrlich für unser Leben wie zerbrechlich – er kann behindert oder unterdrückt werden, wie Pandemien oder Methoden der Gewalt und Unterdrückung beweisen. Inspiriert von Joseph Beuys’ partizipativen Kunstkonzepten und Energieplan sowie von den Atempraktiken der Marina Abramović Methode, versteht sich das Projekt als künstlerisch-soziales Experiment, als sinnliche wie politische Einladung, dem Atem als „Urklang“, reduzierteste Form des Zusammenseins und elementarste Form der Weltbeziehung Aufmerksamkeit zu schenken.

Francesco Marzano

Pneuma – Wärmezeitmaschine

(22.7.–3.8.2025)

(s. Woche 2)

Maria Stamenković Herranz

The Painted Heron

(27.7.–3.8.2025)

The Painted Heron ist eine von Maria Stamenković Herranz konzipierte, long durational Film-Performance in Form einer Reise. Die Performance hält den täglichen Verlauf der Reise von Ost nach West fest, die in Novi Sad, Serbien, beginnt und in Kleve, Deutschland, endet. Es handelt sich um eine Kombination aus Fußmarsch und Zugfahrt, eine Mischung aus kartierten Routen und improvisierten Entscheidungen. Während der gesamten Reise trägt die Performerin eine lebende Sonnenblume auf ihrem Rücken. Nach zehn Tagen wird die Sonnenblume auf einem Feld hinter dem Museum Schloss Moyland wieder eingepflanzt. Statt einer traditionellen Erzählstruktur zu folgen, wird die Reise in täglichen Abschnitten aufgezeichnet, die später zu einem fortlaufenden Video zusammengefügt werden. Der Film fungiert sowohl als Dokumentation als auch als Erweiterung der Performance selbst. Im Dialog mit dem Vermächtnis von Joseph Beuys und Marina Abramović konzipiert, reflektiert The Painted Heron über die nachhaltige Wirkung ihres künstlerischen, ökologischen und politischen Engagements. Die Performance-Route ist von der Geschichte des Krieges und der Fragmentierung geprägt. Bei der Ankunft im Museum Schloss Moyland – einem durch das Trauma des Zweiten Weltkriegs geprägten Ort – wird die Neubepflanzung zu einer Geste der Regeneration. Beeinflusst von der landwirtschaftlichen Praxis des Barbecho (Brache), umarmt The Painted Heron die Stille und suggeriert Transformation durch Sorgfalt, Innehalten und Aufmerksamkeit.

Die täglichen Videos ihrer Reise finden Sie hier. 

Cristiana Cott Negoescu

Roulette

(29.7.–10.8.2025)

Roulette ist eine performative Installation, die die Spannung zwischen Arbeit, Zufall und systemischer Kontrolle materialisiert. In einem industrialisierten Arbeitsraum führt die Künstlerin einen sich wiederholenden Produktionszyklus aus, der von der willkürlichen Logik einer Lottomaschine diktiert wird. Die Performance verdeutlicht die Entfremdung der Arbeit, die Aushöhlung der Arbeitnehmerrechte und die Illusion von Wahlmöglichkeiten innerhalb kapitalistischer Strukturen. Der Arbeitsplatz ist durch einen minimalen Pausenraum ergänzt, der mit einem Stuhl, Instantnudeln und einem iPad eingerichtet ist, auf dem Joseph Beuys’ Monolog abgespielt wird. Cott arbeitet in einer Schleife, gefangen zwischen mechanisierter Arbeit und flüchtigen Momenten der Erleichterung, die durch ein Zufallssystem bestimmt werden. Roulette greift auf historische und zeitgenössische Arbeitsmodelle zurück und bezieht sich auf Joseph Beuys’ Wirtschaftswertprinzip und seinen Monolog, die sich beide mit Kommodifizierung, Arbeitswert und wirtschaftlichen Strukturen befassen. Die Lottomaschine, eine direkte Anspielung auf Beuys’ Honigpumpe am Arbeitsplatz, funktioniert als absurder Kontrollmechanismus, der die unvorhersehbare und doch strukturierte Natur von Arbeitszyklen simuliert. Mit seinen Verweisen auf Joseph Beuys und die zeitgenössischen Arbeitsbedingungen wird Roulette zum Spiegel einer Gesellschaft, in der Arbeit sowohl notwendig als auch absurd ist, in der Arbeiter in Systemen existieren, die sie nicht kontrollieren können, und in der das Versprechen von Freiheit unerreichbar bleibt.

Luisa Sancho Escanero,
entwickelt mit Evan Macrae Williams und Yan Jun Chin

The Loop

(29.7.–10.8.2025)

Drei Künstler:innen präsentieren eine long durational performance, die die flüchtige Natur von Performancekunst und Tanz vereint. In einer choreografischen Schleife interpretieren sie das künstlerische Werk von Joseph Beuys neu. Die Choreografie basiert auf Beuys’ Zeichnungen, Interviews und Aktionen rund um Tanz und Körper. Diese Elemente werden in Bewegung übersetzt und mit Projektionen, Texten und Off-Stimmen ergänzt, die die Bedeutung vertiefen. So entsteht eine dramaturgisch kraftvolle Verbindung von Gestik, Aktion und Erzählung. Beuys’ Darstellungen von Körpern und ihren Fähigkeiten inspirieren die visuelle Gestaltung der Performance. Die Grenzen zwischen Kunst und Tanz verschwimmen, um eine abstrakte Erzählung zu formen – eine Kosmologie, die Beuys’ Werk als Tanz erfahrbar macht und beim Publikum Erkenntnis hervorruft. Die vorhandenen Materialien von Beuys sind die Grundlage dieser Arbeit. Durch Tanz wird seine Kunst lebendig – nicht als bloße Repräsentation, sondern als visionärer Blick auf Gegenwart und Zukunft. Die Choreografie lädt ein, Beuys’ Werk neu zu imaginieren und so die Vergangenheit in die Gegenwart zu transformieren.

Cristiana Cott Negoescu

Roulette

(29.7.–10.8.2025)

(s. Woche 3)

Luisa Sancho Escanero,
entwickelt mit Evan Macrae Williams und Yan Jun Chin

The Loop

(29.7.–10.8.2025)

(s. Woche 3)

Martin Toloku

Wounded Soul

(5.8.–10.8.2025)

Wounded Soul ist eine long durational performance innerhalb einer Installation, die aus sieben Türen besteht, die jeweils mit einem Seil verbunden sind, welches am Körper des Künstlers befestigt ist und seine Bewegungsfreiheit einschränkt. Die Performance aktiviert die Türen, so dass sie entweder offen oder geschlossen erscheinen, was gleichzeitig auf Kampf, Unbehagen, Unruhe oder innerem Konflikt hindeutet. Die Arbeit zeigt die Reaktion einer Seele, die in der Enge und im Schmerz gefangen ist Die Performance ist inspiriert von Joseph Beuys’ Installation Hinter dem Knochen wird gezählt – SCHMERZRAUM, in der Licht von einem Bleiraum absorbiert wird und die das Publikum mit seiner eigenen Angst und Verletzlichkeit konfrontiert. Sie thematisiert zugleich die Möglichkeit der Wiederbegegnung mit sich selbst und einer Öffnung nach außen, um Teil eines größeren sozialen Körpers zu werden. Toloku übersetzt seine Assoziationen, die er mit Beuys’ Schmerzraum verbindet in seine Performance-Installation. Die sieben Türen als Symbol sind traditionellen Heilungsritualen entlehnt, die aus der Kultur der Ewe-Stämme in der Volta-Region in Ghana stammen. Dieses Ritual öffnet sieben Energieportale, ein Zeichen, das ins Unbekannte führt und gleichzeitig zu einem Labyrinth wird. Diese rituell-künstlerische Praxis erinnert zugleich an Schamanismus, Rituale und religiöse Ikonographien in der künstlerischen Praxis von Joseph Beuys.

Rubiane Maia

Coming from the Plants

(5.8.–10.8.2025)

Rubiane Maia setzt sich in ihrer Forschung und Performance kritisch mit den konzeptuellen Strukturen Joseph Beuys’ auseinander, insbesondere mit dessen Idee der Wärmeökonomie. Beuys beschreibt Energie als einen dynamischen Fluss materieller und immaterieller Kräfte, die wahrgenommen, gesteuert und in immaterielle Arbeit umgewandelt werden können. Für ihn ist Energie kein abstraktes Element, sondern ein aktives Feld, das menschliche Beziehungen auf persönlicher und kollektiver Ebene transformieren kann. Maia analysiert Beuys’ umfangreiche Notizen und Diagramme und erkennt darin eine komplexe Denkarchitektur, in der der Energiefluss als zentrales Organisationsprinzip seiner Kunst und Philosophie fungiert. In ihrem Projekt stellt sie den energetischen Austausch zwischen Menschen und dem mehr als Menschlichen in den Mittelpunkt und untersucht dessen Potenzial für Heilung und Transformation. Ihre Perspektive erweitert Maia durch den Bezug auf Dekoloniale Studien und die Erfahrungen der afrikanischen Diaspora, der sie selbst angehört. In ihrer Performance nutzt Maia symbolische Materialien wie Haarsträhnen, Erde, Pflanzen und Schiffstrümmer, die Geschichten von erzwungener Migration und Vertreibung erzählen. Mit rituellen Handlungen schafft sie einen Resonanzraum, in dem das Verdrängte fühlbar, hörbar und neu gedacht werden kann. Ihr Werk lädt ein, zarte Gesten und pflanzliche Rhythmen als Ausdruck von Fürsorge, Trauer und Vitalität als Kräfte des Bruchs und der Neugestaltung zu erleben.